Depois de muito quebrar a cara,cheguei ao óbvio; o elemento mais importante em um desenho realista,não são os detalhes em sí,mas um conjunto harmônico de sombras. Por exemplo, em um determinado desenho, oque é melhor: um jogo de luz e sombra que compõe perfeitamente o rosto ou uma série de texturas estranhas só para dizer que é realista?

Esse é um vídeo de dry brush. É bacana observar que o fator que vivifica e trás o realismo ao desenho é justamente a forma em que as sombras são colocadas,não os detalhes em sí.

http://www.youtube.com/user/PortraitDrawing#p/u/0/ParI26Ug76w


Depois posto algo mais expecífico de como encaixar as sombras para obter esse resultado...=)

pt 2

Eis que essa é a foto usada como modelo. Seria muito mais interessante se, ao invés de fazer cada traço,sombra fielmente, valorizar e focalizar mais os olhos,por exemplo. Os traços do pescoço,colar,deixar em segundo plano.
Isso valoriza excepcionalmente o desenho,além de deixá-lo mais expressivo,vivo.
Outra coisa que deixaria o desenho bem mais interessante seria um fundo mais neutro,apagado.
Alguns desenhistas preferem não deixar o fundo completamente branco,até porque as vezes deixa um ar superficial ao invés de limpo.
Nesse caso, uma vinheta,por exemplo,feita bem de leve com um algodão talvez.

pt 1

Oque é realmente um desenho realista? Seria uma mera cópia de algum objeto,paisagem, ou até mesmo de uma pessoa?
Se o ápice de profissionalismo do desenho realista fosse o resultado exatamente igual à foto(ou vista),não teria tanto sentido assim.
Não tem porquê ficar horas e horas desenhando uma determinada foto,por exemplo,para no final um simples xerox ter resolvido o problema.
Quando mais realista,mais valorizado, isso é verdade nesse ramo da arte. Porém, apesar de não sair do modelo original,algumas personalizações no desenho são exepcionais!

...

Bom, como sombrear? Qual a base disso?
"A luz e a sombra, são os elementos básicos para produzir o efeito de Volume nos objectos.

Num desenho em duas dimensões, a luz e a sombra são elementos que definem e caracterizam o volume do objecto.
O volume é em conjunto com a forma outro dos aspectos que distingue os objectos que nos rodeiam. Este depende da luz que recebe, e por consequência das sombras que este produz.

A definição correcta do volume dum objecto se consegue através da valorização exacta das intensidades das suas sombras.
Podemos definir dois tipos de sombras, as próprias e as projectadas.
As sombras próprias são as que origina o objecto em si próprio e as projectadas são aquelas que ele produz nas superfícies vizinhas.
Também se deve ter em consideração os reflexos produzidos pela luz, que projectam as superfícies ou objectos vizinhos já que estas aclaram a sombra própria.
Entre a luz e a sombra há uma zona de transição ou de 'meia sombra' que pode variar em extensão dependendo da intensidade da luz.

No exemplo da Figura A-1, distinguimos dois objectos com a mesma forma, tamanho e proporção, no entanto um representa um círculo e o outro, uma esfera.
O círculo passou a ser um elemento bidimensional, a parecer um elemento tridimensional, com volume.
A diferença entre os dois objectos é conseguida neste caso pelo efeito da luz e da sombra.

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Como sombrear? Existem várias técnicas que respondem a essa pergunta. Cada desenhista opta por uma, com procedimentos e materiais diferentes.

- Esfumar hachuras: É uma forma muito ultilizada para conseguir o sombreamento. Basea-se em fazer "rabiscos" com o lápis onde quer colocar a sombra e logo após esfumar, seja com o esfuminho, lenço de papel, papel higiênico ou até com o próprio dedo.

- Algodão: Basea-se em "passar" o algodão no grafite em pó (de preferência 9B) e aplicar no desenho de acordo com as sombras em áreas maiores. Para áreas menores, é melhor ultilizar cotonete, com o mesmo procedimento.

Existem muitas outras técnicas porém particularmente prefiro essas duas.

Onde sombrar? Como definir o tom? E a relação entre eles?

É uma questão muito difícil de ser explicada, pelo falo de que a pessoa só consegue distinguir tons, identificá-los depois de muita prática e também varia muito de desenho para desenho.

Depois irei acompanhar passo a passo sobre isso. Espero ter ajudado!!

Grafite

Talvez você tenha dúvidas sobre qual graduação ultilizar, oque significa cada uma delas e qual marca aderir. Se algum desses problemas citados é o seu, vale a pena conferir!


Existem várias graduações de lápis a grafite; 9H, 8H, 7H, 6H, 5H, 4H, 3H, 2H, H, F, HB, B, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 7B, 8B e 9B.

H significa "hard", sendo essa uma mina dura.
B significa "brand" ou "black", sendo essa uma mina macia ou preta.
HB significa "hard/brand", sendo essa uma mina de duzera média.


Particularmente não acho necessário ultilizar todos esses tipos de grafite, pelo fato de que dependendo da pressão que é colocada no lápis pode trazer vários tons.
Aconselho ultilizar apenas o H, 2B, 6B e o 9B.



- As marcas que considero as melhores são;
Staedtler - Alemanha

Koh-i-Noor - República Tcheca

Faber-Castell - Nacional

Já trabalhei com todas elas, porém atualmente ultilizo o lápis Koh-i-Noor.



- Lapiseiras... Por que usá-las? qual ultilizar?
A lapiseira é um instrumento de desenho que pode ser bem útil e importante. Nem todos os desenhistas a ultilizam, porém acho que ela pode proporcionar texturas e resultados muito realistas.
As classificações do lápis são as mesmas para a lapiseira. As lapiserias Pentel são muito boas, recomento!

Papel....

O papel é um elemento extremamente importante para o resultado do desenho. Muitos desenhistas gostam de usar o Canson, eu mesma o utilizava durante muito tempo.
O problema dele é que não suporta tons muito escuros e estraga com facilidade. Seu efeito levemente granulado pode proporcionar um resultado mais realista, porém, particularmente prefiro texturas mais lisas. Antes de tudo, defina o tamanho de papel que deseja.
Se você é iniciante, aconselho a usá-lo, pois não é um papel muito caro e fácil de ser encontrado.

O que eu ultilizo chama-se Scholler, um papel alemão engessado. Realmente é muito bom e proporciona um resultado de alta qualidade, porém é difícil de ser encontrado e muito caro.

Espero ter ajudado!

The beginning

Dedico este blog a todos. Mesmo para quem já seja um grande desenhista, esteja começando ou talvez nem desenhe. Não penso que sou a melhor, muito pelo contrário, pois estou em constante aprendizado e longe de chegar aonde desejo. Através deste blog, pretendo compartilhar meu conhecimento com todos, com variedades de coisas que espero que possa ajudá-los.


Antes de tudo, um desenho geralmente começa com um esboço.
Eis a questão, como fazer um esboço ? Como chegar à proporção correta ? Existem vários jeitos de se chegar a essa resposta, que varia de desenhista para desenhista.


1º - Mesa de luz. Resume-se numa caixa com lâmpadas dentro e uma tela acima que emite uma luz que transparece a foto e que permite transferir os traços desejados para o papel. Considero a técnica mais fácil para se chegar à proporção desejada. Dicas importantes: Para uma melhor fixação e evitar que o papel se desloque resultando num possível erro no esboço, procure colocar fita adesiva nas laterais. Mesmo sendo o esboço, evite contato das mãos no papel. Ela contém óleos que podem prejudicá-lo, manchar seu desenho e estragá-lo futuramente. Aconselho sempre usar uma folha para apoiar a mão.

2º Quadriculado. É uma forma de se atingir a proporção também muito ultilizada. Consiste em se pegar a sua foto modelo e traçar sobre ela linhas verticais e horizontais, fazendo-se "quadradinhos". Esses quadrados têm uma medida. Se a finalidade é ampliar, faz-se a mesma quantidade de quadrados em uma outra folha, mas com medida maior. Basta então fazer uma cópia fiel (à mão!) do que houver dentro de cada quadrado. Usa-se a mesma técnica para diminuição.
Dica importante: Pode-se ultilizar papel vegetal e a mesa de luz para facilitar.

3º Através de medidas iguais. É a técnica que mais ultilizo, e uma das mais complicadas também. Consiste em comparar e traçar de acordo com uma medida principal. Por exemplo, é definido de acordo com o desenhista o tamanho de um olho no desenho. Em seguida, seu objetivo é descobrir a distância entre esse olho e o outro. Para descobri-la, basta comparar o tamanho desse olho com a distância que se quer descobrir, de acordo com a foto. Por exemplo, na foto em que se está baseando,a distância de um olho para o outro é equivalente a "outro olho". Então, mesmo que o tamanho do seu desenho não seja igual à da foto, a distância entre um olho e outro é equivalente a "outro olho".


Depois postatei mais formas de proporção e aprofundarei em cada uma delas.

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Bom, antes de tudo vou começar me apresentando... Ana Luiza Antunes, prazer! Nasci e vivo em Belo Horizonte, MG.
O começo de tudo posso afirmar que foi quando tinha apenas 3 ou 4 anos de idade, que ao desenhar os meus personagens de cartoon preferidos consegui colocar movimento neles. Desde sempre passava horas e horas desenhando.
Aos 9 anos, comecei a me interessar mais com desenhos profissionais e expecificamente desenhos realistas. Meu tio, formado em belas artes, sempre me ajudava e me dava muitas dicas, e elas sempre me serviram de base.
Em 2009 comecei meus primeiros desenhos baseados em uma fotografia com meios realistas, porém não conhecia muito tal técnica. Eis o resultado :
Aos poucos fui evoluindo e desenvolvendo minhas próprias técnicas.
Quando comecei a pesquisar vários desenhistas comecei a perceber o nível de realismo e diferenças gritantes entre os meus desenhos e os deles. Passei a pesquisar técnicas e novos materias, a fim de conseguir desenhar profissionalmente. Só para constar, um dos meus trabalhos mais atuais:

Ao longo do Blog vou explicar melhor como foi esse "progresso" e explicar cada etapa em que passei seguido de várias dicas. Espero que gostem =))